Host Space - хостинг сайтов, отличная скорость и качество, регистрация доменов.

Живопись, ее основные жанры

Живопись - едва ли не древнейшее из искусств, известных человечеству. До наших дней дошли изображения животных и людей, сделанные еще в эпоху первобытного общества на стенах пещер. С тех пор прошли многие тысячелетия, но живопись всегда оставалась неизменным спутником духовной жизни человека.

Как и всякая самостоятельная ветвь художественного творчества, живопись обладает целым рядом неповторимых, оригинальных особенностей. Она повествует о жизни, изображает людей, природу, окружающий человека предметный мир посредством зрительных образов. Эти образы создаются при помощи целой системы приемов, разработанных и усовершенствованных многими поколениями художников.

В отличие от писателя художник не может показать цепь событий, происходящих в разных местах, в разное время. Воплощая сюжет, живописец ограничен пределами одного момента и неизменной обстановки. Поэтому он стремится отыскать и рельефно изобразить такую ситуацию, в которой наиболее полно раскрываются характеры действующих лиц, их взаимоотношения и весь смысл запечатленного события жизни.

Достижению этой цели помогает художественный «язык» живописи. Ведь автор картин рассказывает, показывая. И в этом «зрительном повествовании» и цвет - яркий или тусклый, спокойный или пламенеющий, и движение линий - стремительное, напряженное или плавное, замедленное, и многие, многие другие особенности живописного решения обладают большой выразительностью, способствуют раскрытию чувств, мыслей, настроений. Поэтому содержание сюжетной картины в полной мере постигает лишь тот зритель, который не только «прочитает» в ней определенный сюжет, но и «увидит» его живописное воплощение.

Если рисунок составляет, так сказать, «скелет» живописного произведения, то его «плотью и кровью» является цвет. Художники используют цвет не только для передачи реальной окраски предметов, но и для создания определенного настроения, для целей поэтического воплощения замысла. Вспомните «Девочку с персиками» В. А. Серова: общий голубовато-серый тон, оттененный розовым пятном платья девочки, пронизывающие каждый миллиметр полотна оттенки и отражения трепетного, мерцающего света - ведь это и создает то впечатление свежести, чистоты, юной радости жизни, которое составляет самую сущность картины. А какую огромную смысловую роль имеют многочисленные оттенки красного цвета, встречающиеся в полотне И. Е. Репина «Иван Грозный и сын его Иван»! Как важны контрасты черного и белого в трагическом повествовании «Боярыни Морозовой» В. И. Сурикова!

Существует два основных типа живописи: монументальная и станковая. Монументальная живопись всегда связана с архитектурой - это роспись стен и потолков зданий, украшение их изображениями из мозаики и других материалов, витражи - картины и орнаменты из цветных стекол - и т. д. Станковая картина не связана с определенным зданием и может быть перенесена из одного помещения в другое.

У станковой живописи есть много разновидностей («жанров»). Важнейшие из них - сюжетная живопись, портрет, пейзаж и натюрморт.

В произведениях тех или иных жанров живописи как бы выделяются отдельные стороны бытия. Так, портрет воспроизводит облик человека. В иных случаях герои портретных полотен показываются в привычной для них житейской обстановке, в других мы не встречаем никаких дополнительных деталей. Главная и, конечно, самая трудная задача художника в этом жанре - раскрыть внутренний мир изображаемого человека, основные черты его характера, психологию.

Картины, показывающие жизнь природы, относятся к жанру пейзажа. Подлинные мастера пейзажного искусства не только изображают природу той или иной страны, края, места, но и передают в своих картинах восприятие природы человеком, всегда связанное с мировоззрением и переживаниями художника. Например, в знаменитой «Владимирке» И. Левитана, изображающей дорогу, по которой в царские времена гнали на каторгу арестантов, словно бы сгустились чувства тяжести, скорби, глубокой горечи. В пейзаже А. Саврасова «Грачи прилетели» зрелище ранней русской весны внушает чувство светлой надежды, легкой, задумчивой грусти. Проникновенные образы национальной природы мы встречаем и у советских художников. Так, мастера советского пейзажа: Г. Нисский, М. Сарьян, С. Герасимов и ряд других - замечательно показали в своих картинах те изменения, которые внесли годы советского строя в обдик родной земли, воспели поэзию и красоту новых времен.

Французское слово «натюрморт» означает в буквальном переводе «мертвая природа». Мастера этого жанра изображают фрукты, овощи, цветы, предметы обстановки и т. д. Однако подлинно художественные натюрморты отнюдь не являются слепым повторением форм, линий, красок натуры. Так же как и в пейзажах, в натюрмортах своеобразно отражаются представления современников о прекрасном, их думы и настроения.

В Третьяковской галерее вы можете увидеть натюрморты И. Машкова «Снедь московская. Хлеба», «Снедь московская. Мясо, дичь». Художник здесь изображает продукты-богатыри, могучие, сочные, дразнящие в своем торжественном великолепии. Он воспел обилие даров земли, ее плодородие, щедрость. Такой характер изображения красноречиво говорит о жизнеутверждающем взгляде на мир, полнокровном оптимизме, столь свойственном советским людям. Сходные черты, хотя и всякий раз по-своему выраженные, мы можем найти в замечательных натюрмортах советских художников П. Кончаловского, М. Сарьяна и других. Все жанры живописи - каждый по-своему - могут выразить большие идеи и чувства, волнующие людей.

Как же технически пишется станковая картина? В прошлые века ее основанием служило дерево различных пород, а на Востоке, кроме того,- шелк, пергамент, рисовая бумага и т. д. Современные мастера, как правило, используют в качестве основания холст. Для того чтобы холст мог впитать и удержать в себе краску, его сначала проклеивают, а потом грунтуют плотным слоем специальной смеси. На загрунтованный холст красками наносится изображение. Современные художники чаще всего используют масляные краски. Значительно реже картины создаются при помощи водяных красок - акварели. Еще реже употребляется пастель - сухие спрессованные краски, смешанные с жидким клеем.

Прежде чем взяться за кисть, художник обычно рисует в предварительных набросках (эскизах), а затем и на полотне облики действующих лиц, формы предметов, контуры обстановки, намечает построение (композицию) будущей картины.

Затем он внимательно изучает в тщательно выполненных работах с натуры (этюдах) нужные ему позы и психологические состояния людей, предметы обстановки, свет и только после этого переходит к созданию самой картины.

В конечном счете идея художника получает полное и законченное выражение, и его картина становится для нас источником большой радости познания жизни.

Графика

Что такое графика? Это изображение, полученное на бумаге или картоне при помощи карандаша, акварельной кисточки или печатной машины. Рисунок, акварель, иллю-: страция к книжке, гравюра, висящая на стене,- все это графика.

Художники сравнительно редко, пользуются цветными карандашами. Чаще они рисуют углем, тушью, простым карандашом, разноцветными мелками, которые называются пастелью. Черно-белый или подкрашенный рисунок обладает большой прелестью, и рисунки известных мастеров часто ценятся не менее их картин, написанных маслом.

Гравюра - гораздо более сложный вид графики, чем рисунок. Существует множество различных разновидностей гравюры. Основные - это гравюра на дереве и линолеуме, офорт, литография. Гравирование по дереву - очень сложная и кропотливая работа, требующая большой усидчивости и внимания.

Прежде чем приступить к гравированию, аккуратно отпиленную, отполированную и хорошо просушенную дощечку покрывают тонким слоем белой краски. Затем по высохшей краске простым карандашом наносят рисунок. Без этого рисовать по темной дощечке трудно, а резать без рисунка - еще труднее. Вырезают рисунок на досках специальными инструментами, которые называются штихелями.

Затем мастер берет в руки штихель и начинает гравировать. Он оставляет линии рисунка нетронутыми и удаляет штихелем те места, которые на бумаге должны получиться пустыми. Когда все свободные от штрихов и линий места «выбраны» и остались только штрихи в виде тонких перегородок, - доска готова для печати. Гравюру печатают при помощи печатной машины, напоминающей гигантские щипцы для раскалывания орехов.

Для отпечатывания гравюры пользуются такой же типографской краской, какой печатаются книги, журналы, газеты.

Краску «накатывают» на гравированную деревянную дощечку каучуковым валиком. Проведут этим валиком по каменной плите с краской, потом по дощечке -и так несколько раз. Бумагу для печатания гравюр специально мочат, так как сухая бумага прилипает к дощечке с краской. Сырую, или, как говорят, «волглую», бумагу кладут на гладкую чугунную плиту печатного станка. Сверху на нее опрокидывают дощечку вырезанной стороной, промазанной краской. Нажимают рычаг, и сверху спускается другая чугунная плита и сильно придавливает дощечку к бумаге. На бумаге получается оттиск. Таким образом с одной деревянной доски можно напечатать очень много оттисков. Правда, изображение получается зеркальное. Но для рисунка это не имеет значения.

Гравюра на линолеуме делается точно так же, но вместо дерева употребляют линолеум. Есть еще один способ гравирования - офорт, гравюра на цинке. Цинк, однако, не режут штихелем. Офортисты используют свойство цинка бурно реагировать с кислотами. Если положить кусочек цинка в банку с соляной кислотой, то через некоторое время от него ничего не останется: цинк растворится в кислоте.

Для офорта берут гладкую цинковую доску и покрывают ее слоем непроницаемого для кислоты лака. По этому лаку специальной, офортной иглой процарапывают рисунок так, чтобы в тех местах, где прошла игла, с цинка сошел лак. Теперь остается только на минуту положить цинковую доску в ванночку с соляной кислотой. Попадая на цинк в тех местах, где лак процарапан, кислота проедает в доске желобки в соответствии с нанесенным иглой рисунком. После этого лак смывают с доски спиртом. Офорт готов. Печатается офорт примерно так же, как и гравюра на дереве. С той только разницей, что там на бумаге отпечатывалась краска, приставшая к выпуклостям доски, а здесь, наоборот, краска, застрявшая в желобках. Этот способ гравюры называется глубокой печатью.

Офортом занимались многие известные художники. Замечательным офортистом был великий голландский живописец и график Рембрандт.

Литография во многом отличается и от собственно гравюры, и от офорта, а материалом для литографии служит не металл и не дерево, а специальный литографский камень - род очень плотного известняка.

На особым образом отшлифованном литографском камне (обычно он почти белый) рисуют, как на бумаге, жирными черными карандашами. Жирные карандашные следы в процессе травления мешают кислоте реагировать с камнем. В тех же местах, где камень остался незачерненным, в результате взаимодействия с кислотой он становится пористым и, -как губка, впитывает воду. Когда на литографский камень наносят краску, она пристает к нему в жирных местах, а к пропитанным водой участкам - нет. Эти участки оставляют бумагу неокрашенной.

Литография печатается так же, как и офорт, и собственно гравюра.

В литографии можно пользоваться и пером, и кистью, и карандашом, можно соскребать и переделывать любую часть рисунка, добиваясь большей выразительности.

Великим мастером литографии был французский художник Оноре Домье, живший в XIX в.

Сатирические рисунки, в которых Домье высмеивал короля, буржуазию и чиновников, печатались литографским способом. Вы, возможно, видели отличные рисунки художника Е. А. Кибрика к повести Ромена Роллана «Кола Брюньон» - они выполнены в литографской технике.

Графика играет очень важную роль в нашей повседневной жизни. Картины и скульптуры помещены на выставках и в музеях, а произведения графического искусства встречаются нам повсюду. Иллюстрации в книгах и журналах, плакаты на стенах домов, этикетки на пищевых продуктах - все это создано художниками-графиками.

У нас в стране уважают и ценят - искусство графики. Ведь мы издаем множество книг и журналов, печатаем сотни тысяч плакатов, производим разнообразнейшие товары, требующие красивых этикеток и сделанных со вкусом надписей.

Настоящим художником-графиком может стать только тот, кто хорошо рисует и вдобавок обладает трудолюбием и настойчивостью.

Искусство ваяния

Искусство ваяния, или скульптура, относится к числу изобразительных искусств. Художник-скульптор, как и художник-живописец или график, изображает окружающую его жизнь. Однако если художник-живописец или график изображает действительность на плоскости, создавая только иллюзию объема и пространства, скульптор из глины, мрамора, камня, дерева и других материалов создает объемные, осязаемые произведения искусства.

Статую или скульптурную группу, как правило, можно обойти кругом. В этом отношении, а также и по своей долговечности скульптура сближается с архитектурой.

У скульптуры как искусства есть свои оси* бенности, свой круг сюжетов, связанный с возможностями и особенностями того материала, из которого создается скульптурное произведение.

Камень, например, не терпит большого количества отверстий и выступающих деталей, так как может расколоться, дерево ограничивает размер и форму статуи и т. п. Скульптура, установленная на площади, в парке или помещении, почти всегда становится композиционным, а подчас и смысловым центром ансамбля, в который она входит.

Например, памятник Пушкину на площади Пушкина в Москве одновременно доносит до нас образ великого поэта и является композиционным центром площади, входя как архитектурно-скульптурное сооружение в городской ансамбль.

Как правило, скульптура должна быть «монументальна», т. е. вызывать у зрителя ощущение значительности, величественности, торжественности изображаемого.

Прекрасный пример основных качеств скульптурного языка - широко известная группа выдающегося советского скульптора Веры Игнатьевны Мухиной «Рабочий и колхозница», ныне установленная перед одним из входов на Выставке достижений народного хозяйства в Москве.

Во-первых, при всей динамичности фигур, при всем их могучем порыве композиция группы построена так, что фигуры прочно, незыблемо возвышаются на своем постаменте. Их не сдвинешь и не покачнешь, как не сдвинешь и не разрушишь прекрасное стройное здание, как бы динамично оно ни было по своей форме.

Во-вторых, пропорции фигур, их величавое движение, торжественно развевающиеся складки одежды, наконец, вдохновенные лица - все создает ощущение Подлинной монументальности.

Скульптуру, как и всякое искусство, принято делить на роды, виды и жанры. Так, различают два рода скульптуры: круглую скульптуру и рельеф, который в свою очередь делится на горельеф и барельеф.

Круглая скульптура (так называемые статуи), как правило, предполагает круговой обзор. Статуи ставятся в парках, на площадях н улицах или украшают здания.

Рельеф - настенное изображение. Если оно более чем на половину объема возвышается над плоскостью, его называют горельефом. В барельефе изображаемые фигуры и предметы теснее связаны с плоскостью и меньше выступают над ней, чем в горельефе.

Виды скульптуры различаются по ее назначению.

Монументально - памятниковая скульптура включает монументы, мемориальные сооружения, памятники и другие произведения. Цель их создания - увековечивать изображенное.

Монументально-декоративная скульптура служит украшением зданий, садов, интерьеров, не претендуя, как правило, на серьезное идейное содержание.

Камерная скульптура - это всевозможные художественные произведения, цель которых украшать быт человека. Таковы небольшие статуэтки, бюсты, фигурки животных.

Прикладная скульптура - скульптурные произведения, орнаменты или детали, которые украшают предметы человеческого обихода: это пепельницы и подстаканники, настольные лампы и спортивные кубки, письменные приборы и радиоприемники и т. д.

Наконец, по своему содержанию вся скульптура делится на ряд жанров. Портретная скульптура посвящена изображению портретов людей. Анималистическая (от латинского слова, означающего «животное») - изображению животных. Бытовая, жанровая и историческая - изображению различных сцен и эпизодов человеческой жизни. Орнаментальная скульптура изображает те или иные орнаменты, гирлянды, цветы, маски.

Что такое архитектура

Архитектура - древнейшая область человеческой деятельности. Начиная с первобытного общества она сопровождает людей на всем протяжении истории. Одним из первых сознательных действий человека явилось создание жилища. Пещеры, шалаши, землянки защищали его от ветра, дождя, холода и диких зверей. В этих первых «домах» люди жили, готовили на костре пищу, изготовляли орудия труда, праздновали удачную охоту, выбирали вождей.

Постепенно ширился круг знаний и практических навыков человека, все меньше он зависел от прихотей природы. Вместе с жилищем начали строиться и другие виды зданий: торговые площади и склады, гавани для кораблей, храмы и церкви для богослужения, театры для зрелищ.

Таким образом, основное назначение архитектуры - это возведение зданий и сооружений, в которых протекает жизнь человека.

Современному человеку служит множество различных сооружений. Утром, просыпаясь в своей квартире, человек собирается на работу или в школу, днем обедает в столовой, а вечером отдыхает, посещая кино, театр или занимаясь спортом на стадионе. Если вы вспомните, где побывали на прошлой неделе, то окажется, что посетили не меньше десятка самых различных зданий, и каждое из них соответствует тому процессу, который в нем происходит (труд, питание, отдых, учеба, зрелище, физкультура, лечение, торговля и многое другое). В соответствии с видом человеческой деятельности все многообразие архитектурных сооружений можно разделить на три отрасли - производственные постройки (заводы, фабрики, электростанции и др.), жилые здания (дома, гостиницы, общежития и др.) и общественные здания (театры, кино, музеи, стадионы, больницы, магазины и др.).

Взгляните на карту и найдите на ней два города: Ашхабад и Игарку. Можно ли построить в них одинаковые дома? Конечно, нет! В Ашхабаде нужно беречься от палящего солнца, а в Игарке - бороться с холодом и ветрами. Но это не все. Игарка находится в районе вечной мерзлоты, где приходится устраивать специальные фундаменты, а в Ашхабаде бывают землетрясения, и дома там должны быть особенно прочными. Архитектурные особенности зданий всегда зависят от тех природных и климатических условий, в которых они построены.

Архитектуру иногда называют «застывшей музыкой», на первый взгляд это может показаться странным! Что общего между звуками и камнем, мелодией и кирпичной стеной? Однако не торопитесь, вспомните Красную площадь, Кремль и Мавзолей Ленина и Сталина. Оказывается, архитектура, подобно музыке, может вызывать большие человеческие чувства: торжество, величие, радость, скорбь.

Архитектура, как и скульптура, является трехмерным искусством, но произведения архитектуры имеют еще и внутреннее пространство. Архитектура «говорит» языком объемных фигур, объединенных в продуманную систему построения пространства.

Работа над будущим зданием начинается с создания плана. В нем архитектор определяет число и размер помещений и их взаимное расположение. В этой сложной работе архитектор выступает как композитор: так же как из отдельных звуков слагается мелодия, из отдельных помещений складывается целостный объем здания. Каждое здание и каждое помещение в нем имеют свои пропорции, свои соотношения между шириной, длиной и высотой. Эта пропорциональность присутствует не только в общем строе здания, но и в отдельных его деталях. Гармоничность построения - важное условие всякой архитектурной композиции, однако нужно помнить, что всякое здание имеет определенную систему конструкции: стеновую, стоечно-балочную, сводчатую или арочную. Конструктивные элементы здания, будь то стена, балка или колонна, кроме своего основного назначения - ограждать, нести или поддерживать что-нибудь, всегда являются элементом художественной композиции.

Архитектура широко использует декоративные свойства материалов, их цвет и фактуру. Кроме того, во многих сооружениях «участвуют» и другие виды искусства: скульптура и живопись. В лучших творениях мирового зодчества архитектура., скульптура и живопись составляют неразрывное целое. Были, правда, в истории архитектуры и такие периоды, которые отличались излишней декоративностью.

Архитектурные памятники всегда связаны с окружающим их пространством, с природой. Эта связь может быть различной. Многие древние египетские и индийские храмы как бы вырастают из земли, а некоторые из них, например пещерные храмы, в буквальном смысле составляют единое целое со скалами, в которых они высечены. Другие постройки, и в частности русские церкви, представляют собой контраст с окружающей их равниной. Во всяком случае архитектор непременно должен знать, для какой местности он проектирует здание, будут ли это южные горы, степь или берег северного моря.

На протяжении многих эпох люди создали сотни тысяч различных построек, и каждая эпоха характерна своими зданиями, своей архитектурой. Проследим по расположенным ниже таблицам, как развивалось строительное искусство с древнейших времен до наших дней.

Архитектура древнего Египта

История древнего Египта, начавшаяся за много тысяч лет до нашей эры, дошла до нас главным образом в памятниках архитектуры. Тяжелые монументальные гробницы-пирамиды, громады храмов, каменные изваяния фараонов и священных сфинксов поведали миру о жизни древнейшего рабовладельческого государства.

Знать и жрецы добивались повиновения рабов не только военной силой, ао и внушением простым смертным мысли об их ничтожестве перед небесным и земным владыками. Стоя рядом с гигантскими культовыми сооружениями или входя в них, человек чувствовал себя во власти божественного фараона. Архитекторы храма стремились в каждой части здания достигнуть главного - создать впечатление таинственности и силы. Человек, приближавшийся к храму, проходил по «аллее сфинксов» и останавливался перед его фасадом с высеченными грозными изображениями и гигантскими статуями фараонов. Переступая порог храма, посетитель проходил через двор, в глубине которого находился вход в гипостильный зал, похожий на лес гигантских колонн.

Сквозь чащу колонн центральный проход вел в глубину храма, к сокровенному святилищу. Огромные рельефы и красочные росписи, покрывавшие сплошь все части здания, таинственно мерцали в отблесках пробивавшегося сверху света.

В сооружениях древнего Египта нужно видеть прежде всего их истинных творцов - огромную армию строителей и художников, которые не только овладели техникой строительства из камня, но и научились его искусно обрабатывать. Богатый запас художественных форм и мотивов дали египетскому зодчеству растительный мир (папирус, лотос, пальма) и мир животных (стилизованные изображения баранов, львов и т. д.).

Архитектура древней Греции и Рима

В древней Греции и Риме все внимание общества переключается на человека, гражданина с его духовно развитой личностью, стремящейся к познанию мира. В архитектуре эта новая черта характеризовалась строительством зданий, соразмерных человеку, зданий, в которых человек чувствовал себя свободным и сильным.

Греческими строителями был создан ордер, т. е. строго определенная система расположения основных конструктивных элементов здания. Ордер был применен при строительстве прекрасных, светлых греческих храмов.

По сравнению с маленькими греческими зданиями римские сооружения кажутся грандиозными, однако и они благодаря сохранению ордера не теряют соразмерности с человеком. Пышными, богато украшенными сооружениями римские архитекторы прославляли могущество Рима. Здесь, в Риме, были впервые созданы огромные общественные здания светского назначения: амфитеатры, термы, базилики. Но особенно важным в римском зодчестве является открытие красоты и значения внутреннего пространства здания - интерьера. В Колизее это замкнутое со всех сторон пространство театра, в Пантеоне оно уже закрывается сверху куполом. Однако оформление интерьера еще не совершенно: он так же монументален, как и наружный фасад здания.

Римские архитекторы работали над дальнейшим развитием греческого ордера, а римские строители прославились изобретением бетона и широким применением арочной конструкции.

Архитектура феодального Китая, Индии, Японии

К началу II тысячелетия н. э. строительное искусство феодального Китая достигло высокого уровня. В начале XII в. в Китае уже существовала запись особых правил строительства, в основе которых лежало учение о способах борьбы с вредными влияниями атмосферных осадков, так называемых «фын - шуй» (ветер - вода).

Характерным примером строительства в феодальном Китае является планировка и застройка г. Пекина. Столица была обнесена мощными стенами длиной в 24 км. Толстые глинобитные стены, облицованные в несколько, рядов кирпичом, имели многочисленные бастионы с амбразурами и бойницами. Внутренняя стена, идущая с востока на запад, делила Пекин на две части. Северная часть получила название Внутреннего, пли Татарского, города, южная - Внешнего, или Китайского, города. Внутренний город имел несколько поясов стен; в центре его был расположен Запретный город (императорский дворец).

Большинство памятников Индии эпохи феодализма представляет собой храмы религии брахманизма. Они состоят обычно из трех основных частей: притвора (входного помещения), помещения для молящихся и святилища, над которым воздвигалась высокая башня. Особую выразительность этим сооружениям придают бесчисленные рельефы на темы священной мифологии, сплошь покрывающие поверхность стен. Изображения слонов, фантастических существ, танцующих фигур, крылатых львов переплетаются с причудливыми формами тропических растений.

Архитектура Японии многие годы испытывала сильное влияние китайского зодчества. Большинство зданий построено из дерева. Япония известна своими многоярусными культовыми сооружениями - пагодами. По внешнему виду они легки и нарядны, однако внутри каждая постройка укреплена прочным деревянным стволом, который, проходя через все этажи, придает зданию устойчивость.

Готическая архитектура

В средних веках большую власть в европейских странах получила церковь. Она наложила свой отпечаток на всю культуру Европы, в том числе и на архитектуру.

Готический стиль, возникший в начале XIII в., позволил наиболее ярко соединить в конструктивной и художественной форме господствующий религиозный энтузиазм. Динамичная архитектурная форма, устремленная вверх, выражала религиозный порыв к неб5т, к потусторонней жизни, к богу. Одной из характерных черт готики является стрельчатая арка, которая при-

меняется в готическом стиле почти везде без исключения как со строительной, так и с декоративной целью.

Средневековые зодчие достигли больших технических успехов. Была изобретена новая несущая конструктивная система, состоящая из каркаса, каменных столбов и легкого заполнения из камня или стекла.

Большую часть стен заняли окна «витражи» с цветными стеклами и тонкими переплетами криволинейного рисунка. Солнечный свет падал сквозь витражи, окрашивался в разные цвета и создавал внутри готического собора таинственный цветной полумрак.

Архитектура итальянского возрождения

Архитектура итальянского Возрождения представляет собой развитие и совершенствование античной архитектуры. Гуманисты Возрождения видели выражение своих идеалов в искусстве античности, поэтому памятники культуры и искусства древней Греции и Рима тщательно изучались итальянскими зодчими.

Капелла Падди выстроена великим флорентийским архитектором Филиппо Брунеллески (1377-1446). В противоположность готическому храму со сложным, устремленным ввысь силуэтом, с интерьером, погруженным в постоянный полумрак, капелла Пацци напоминает просторный светлый греческий храм. Центральная часть капеллы покрыта куполом. Выразительность архитектурной композиции достигнута за счет простых, но изящных пропорций как всего объема здания, так и отдельных его частей.

Палаццо флорентийских буржуа служили им не только жилищем, но и крепостью на случай вооруженных столкновений, которые не были редкостью в те времена. Их архитектура вполне отвечает назначению здания. Надежно защищают обитателей его мощные стены, их массивность подчеркивается облицовкой грубым рваным камнем стен первого этажа; верхние этажи облицованы камнем более тщательной шлифовки. Фасад завершается карнизом, напоминающим античный.

Собор св. Петра в Риме строился в течение многих лет (1506 -1564). В его проектировании приняло участие целое поколение итальянских архитекторов, и естественно, что каждый из них по-своему понимал поставленную задачу. В 1547 г. папа Павел III поручил продолжение постройки Микеланджело, по проекту которого и была возведена центральная часть этого гигантского здания (высота его 143 м). Впоследствии здание достраивалось и подвергалось многочисленным переделкам: была пристроена входная часть, а перед собором создана площадь, окруженная колоннадой.

Архитектура французского классицизма (ансамбль Версаля)

Архитектура французского классицизма (XVII-XVIII вв.) отличается грандиозными садово-парковыми и городскими ансамблями. Показное великолепие этих сооружений, построенных по законам античного зодчества, соответствовало духу абсолютной монархии.

Версаль - грандиозный ансамбль дворцов и парков - расположен в 18 км от юго-западного предместья Парижа.

Композиция ансамбля Версаля начинается тремя лучевыми дорогами, средняя из которых вела к Парижу. Версальский парк простирается от садового фасада более чем на 2 км. На дворцовой террасе расположены цветники и «Водяной партер» в виде двух больших водоемов восьмиугольной формы. За ними простираются сады с множеством аллей, дорожек, лабиринтов, огражденных непроницаемыми стенами стриженой зелени.

Главная аллея парка «Зеленый ковер», имеющая 300 м в длину и около 50 м в ширину, подводит к большому крестообразному каналу, по которому на гондолах и яхтах совершались увеселительные прогулки; здесь же в дни празднеств устраивались фейерверки.

На территории парка множество лестниц, которые связывают его отдельные части друг с другом; бесчисленное количество фонтанов, почти каждый из которых представляет собой сложную многофигурную композицию. Фонтаны Версаля чрезвычайно разнообразны: их струи, высокие и низкие, вертикальные и наклонные, образуют беседки и аллеи или выстраиваются рядами, указывая процессиям направление движения.

Вся стройность паркового ансамбля с его прямыми аллеями, деревьями, подстриженными в форме пирамид и цилиндров, прямоугольниками и восьмигранниками водоемов была отражением того порядка, который господствовал при дворе.

Древнерусская архитектура (XII-XVII вв.)

Русская архитектура имеет свою многовековую историю. Уже в X в. в городах Киевского государства строились монументальные каменные палаты, церкви и крепостные сооружения. С принятием христианства началось возведение храмов, архитектура которых лишь недолгое время повторяла византийскую. Очень скоро русские мастера достигли высокого искусства в возведении зданий, резьбе по камню и росписи стен, создав множество выдающихся и самобытных сооружений.

Церковь Покрова на Нерли выстроена неподалеку от Боголюбова при впадении р. Нерли в Клязьму.

Весь ее архитектурный облик мягок и строен по очертаниям. Здание прекрасно гармонирует с окружающей природой, однако в противоположность индийским храмам, которые как бы вырастали из земли, как причудливые растения, белокаменный объем церкви противопоставлен равнинной местности.

В XVI в. на территории Московского государства был построен ряд крепостей для защиты русских земель от иноземных захватчиков. В государственную оборонительную систему входили укрепления Нижнего Новгорода, Тулы, Коломны, Зарайска, Пскова, Смоленска, а также многих монастырей.

Одна из выдающихся русских крепостей -Коломенский кремль - была построена на высоком холме при впадении р. Коломенки в Москву-реку.

Характерным примером строительства жилых домов из камня являются так называемые Поганкины палаты в Пскове, построенные одной из торговых семей города в середине XVII в. Трехэтажное здание с внутренним двором имеет мощные стены, выложенные из псковского плитняка. Помещения нижнего этажа служили торговыми складами, второй этаж был занят торговыми помещениями, а на третьем располагались жилые комнаты.

Архитектура русского классицизма второй половины XVIII в. (Петербург)

К началу XIX в. русская классическая архитектура наряду с литературой и изобразительным искусством утвердила мировое значение русской национальной культуры. Планировка и застройка целых городов, и в первую очередь Петербурга, приобрели в это время особый размах. За несколько десятилетий была реконструирована и застроена заново система центральных площадей и набережных столицы. Блестящее мастерство выдающихся русских зодчих создало величайшие памятники и ансамбли, равных которым не было в европейской архитектуре того времени.

В центре Петербурга главенствовали два здания - Петропавловская крепость и Адмиралтейство. Реконструкция Адмиралтейства была начата в 1808 г. зодчим А. Д. Захаровым (1761 - 1811).

Архитектор учел главенствующее местоположение здания; его архитектура была выдержана в парадных формах классицизма с многочисленными колоннадами и арками. Фасады украшены барельефами и скульптурой. Ордерная система фасадов была выдержана в лучших традициях античных построек.

Другим красивейшим зданием Петербурга была биржа (помещение для торговых сделок), расположенная также в центре города на Стрелке Васильевского острова. Она была построена в 1805 - 1816 гг. по проекту архитектора де Томона (1760-1813). Строительство велось под руководством де Томона и Захарова.

Другой монументальной постройкой, отразившей историческую победу русского народа в Отечественной войне 1812 г., была арка Генерального штаба.

Арка создала парадный переход от Невского проспекта к Дворцовой площади, открыв прекрасный вид на Зимний дворец.

Народное изобразительное искусство

Давайте постараемся представить себе, как выглядела старинная изба на русском Севере, где-нибудь в Вологодской или Архангельской губернии, в XIX - начале XX в. Деревянное крыльцо. Над ним резной шатер, сбоку узорные перила из точеных столбиков. Кленовые сени через низкую дверь ведут в просторную горницу. В ней налево - печь с полатями, полочками и шестками; направо- широкая лавка, а впереди-длинный дубовый стол на пузатых точеных ножках, похожих на глиняные кувшины.

На столе стоят вырезанные из дерева чудесные предметы в виде уточек, лебедей, коней. Они покрыты блестящим слоем олифы и расписаны красной и зеленой краской. Уточка - это резная деревянная солонка. А рядом большая жар-птица с деревянным хвостом, она наполнена сладким напитком, сваренным из меда. Такой ковш называется скобкарем. На хозяйке дома белая холщовая рубаха, расшитая красными нитками по вороту и на плечах: в тончайших узорах повторяются звездочки, птички в квадратах, елочки, причудливые всадники. Поверх рубахи надет синий сарафан из холста, на котором яркими масляными красками изображены оранжевые гроздья рябины, желтые ромашки и птички. Хозяйка за работой - в руках у нее вырезанная из доски прялка, которая украшена узорами в виде кругов, гребенчатых рядов, треугольников.

Все это сделано руками хозяина и хозяйки дома. Хозяин вырезал и выточил предметы из дерева, украсил наличниками избу, хозяйка ткала, окрашивала холсты, вышивала. Они занимались этим дома в свободное от полевых работ время. Каждую вещь они выполняли с любовью, стремясь украсить ежедневно используемые в хозяйстве предметы яркой росписью или кружевом деревянной резьбы.

Вплоть до сегодняшнего дня живут самые древние изделия русского народного искусства.

Рассматривая в музее образцы народной резьбы, росписи, вышивки, керамики, невольно вспоминаешь русские сказки. Как и в сказках, здесь встречаются выдуманные персонажи: конь с двумя головами, птица Сирин, русалки, невиданные цветы и деревья, которых не бывает в действительности.

В сказках всегда много волшебной яркости, смелого преувеличения. Так и в народном искусстве: ярко украшены, пестро расписаны кони, куклы-матрешки, коричнево-оранжевые медведи из дерева, зеленые петухи из глины. Они не всегда похожи на настоящих животных и людей, но очень нарядны и красивы. Как и в сказках, в этих игрушках много смешных, забавных деталей и метких, остроумных наблюдений.

У каждого народа есть свое собственное поэтическое и изобразительное творчество. Например, в сказках Китая герои совсем другие, чем в русских сказках. И в изобразительном народном искусстве Китая: в вышивке, резьбе по дереву и кости, в рисунках на тканях- встречаются совсем другие образы - волшебные драконы, единороги и рыбы, птицы-фениксы, цветы лотоса и сливы.

Сказки и искусство народов Африки изобилуют образами тех животных, которые водятся в тропических лесах и саваннах. Это носороги, жирафы, львы, обезьяны и змеи. В индийском народном искусстве часто встречается изображение слона. А сколько интересного можно найти в творчестве народов Севера, Сибири и Дальнего Востока! В маленьких, вырезанных из кости фигурках животных, рисунках на берестяных дощечках, узорах ковриков из меха и на бубнах шаманов отражается весь этот край, его ледяные поля и торосы, оленьи стада и охота на тюленей. На моржовых клыках талантливые чукотские мастера изображают с большой наблюдательностью целые сцены охоты, ловли кита или рубки леса. Их мастерство совершенствуется и в наши дни.

Со времен глубокой древности человек чаще всего использовал для своих творений местный природный материал. На Севере добывали моржовую кость, поэтому в народном искусстве чукчей, ненцев преобладают костяные изделия, бывшие Вологодская, Архангельская, Олонецкая губернии) всегда был богат лесами. Эти районы славились традицией деревянной резьбы - украшениями на избах, предметах обихода и мебели.

Узорные ковры из шерсти, вытканные жителями Кавказа и Средней Азии, напоминают цветущий сад. Кочевые народы (киргизы, туркмены, таджики), чтобы покрывать пол и стены своего жилища - юрты, делали цветные войлочные кошмы, белые с синими или красными узорами в виде рогов барана, бегущих оленей.

В Грузии и Дагестане с древних времен для хранения вина и воды делали большие глиняные сосуды, а на Украине их лепили в виде животных - медведей, баранов, уток.

Каждый народный художник, создавая тот или иной предмет, вкладывал в него свое понимание красоты, свои представления о природе родной страны. Поэтому, знакомясь с народным искусством разных стран, мы как будто совершаем «кругосветное путешествие».

Народному искусству разных народов при всех различиях свойственна определенная общность. Народный художник всегда владеет материалом, умеет раскрыть его красоту - будь то берёста, корневище дерева, цветные прутья, глина, солома, бамбук. Он владеет тонким чувством пропорции.

Орнамент всегда гармонически распределяется по поверхности предмета, подчеркивает форму деревянной статуэтки, силуэт глиняного кувшина или кружки.

Узор всегда связан с вещью, которую он украшает, линии его певучи, масштаб отдельных узоров соответствует общей форме изделия. Предметы обихода (деревянная чаша, солонка и т. д.) нельзя отделить от обстановки жилища и других предметов в нем. Одежда связана с живым человеком, пропорциями его фигуры.

Много талантливых народных мастеров работает и в наше время. По всему Советскому Союзу и за рубежом широко известны вологодские и кировские кружевницы, палехские мастера лаковой миниатюры, талантливые резчики по дереву-игрушечники Богородска, косторезы из Холмогор, украинские ковровщицы и гончары, узбекские вышивальщицы и резчики по камню.

Многие народные мастера объединены в художественные артели. В их произведениях появились теперь новые темы. Кружевницы и вышивальщицы делают к юбилейным датам большие занавесы с эмблемами. В резьбе по дереву и кости, в росписях на лаковых шкатулках распространена тема колхозного труда.

Наряду с этим в народном искусстве продолжает жить сказочная тематика. Мастера Палеха изображают битвы прославленных былинных богатырей, создают иллюстрации к «Слову о полку Игореве», к сказкам А. С. Пушкина, сказам П. П. Бажова.

Значение народного искусства в том, что оно глубоко демократично и массово. Ведь оно не просто слагается из творчества отдельных талантливых умельцев, а представляет собой коллективное искусство народа той или иной страны.

Мастерство, навыки обработки материалов передавались от поколения к поколению, развивались, в течение веков они совершенствовались, обогащались новыми приемами. Поэтому народное искусство разных стран - подлинная сокровищница мировой художественной культуры.

Эрмитаж

Эрмитаж - не только самый крупный музей России, но и один из величайших музеев мира. В нем собраны произведения искусства и памятники культуры разных народов, созданные на протяжении почти всей истории человечества. Число экспонатов музея превышает два миллиона.

Коллекции Эрмитажа размещены в нескольких зданиях, находящихся в центре Ленинграда. Из окон музея открывается вид на широкие просторы Невы, на Дворцовую площадь, на здание Адмиралтейства.

Эрмитаж возник как придворный музей в 60-х гг. XVIII в. В разных странах приобретали тогда картины, скульптуры, произведения прикладного искусства. Для собранных коллекций около Зимнего дворца был выстроен отдельный павильон, получивший название «Эрмитаж» (от французского слова, означающего «уединенное место», «пустынный уголок», павильон, предназначенный для приема узкого круга гостей). Но судьба Эрмитажа оказалась иной. Он постепенно превратился в богатейший музей, для художественных собраний которого было построено еще два здания.

Свободный доступ посетителей был введен в музее с 1865 г., но лишь после Октябрьской социалистической революции Эрмитаж стал подлинным достоянием народа. Более чем в три раза выросли его коллекции. Новые выставки и отделы Эрмитажа разместились также и в помещениях Зимнего дворца. Двери этой сокровищницы культуры и искусства широко открылись для трудящихся, и вся работа музея с того времени была посвящена художественно-эстетическому воспитанию советских людей.

Сейчас Эрмитаж посещает свыше 1,5 млн. человек в год. Через залы музея, а их более 300, ежегодно проходит не менее 10 тыс. экскурсий.

Внимательно осмотреть Эрмитаж - это значит познакомиться почти со всеми основными этапами в развитии мирового изобразительного искусства.

В Отделе истории первобытной культуры хранятся наиболее древние памятники, найденные при раскопках на территории России. Древнейшие из них созданы около 500 тыс. лет назад. Это грубые каменные орудия труда древнекаменного века (палеолита). В позднем палеолите зародилось искусство, появились первые, правда еще примитивные, изображения животных и человека. От витрины к витрине, от зала к залу изменяется характер экспонатов. Улучшается обработка камня, и разнообразнее становятся орудия труда, появляется все больше различных по форме глиняных сосудов, нередко украшенных орнаментом. Они относятся уже ко времени неолита (новокаменного века).

Важнейшей вехой в жизни первобытных племен было открытие металлов - бронзы, а затем железа. Коллекции Эрмитажа дают возможность подробно познакомиться с особенностями многих археологических находок эпохи бронзы и железа.

Всемирно известны выставленные в Эрмитаже скифские древности VII -II вв. до н. э.: замечательные изделия из бронзы, золота и серебра, найденные в курганах Приднепровья и Причерноморья. Они принадлежали богатым вождям скифских племен, населявших тогда юг нашей страны. Особенно выделяются редкостные по тонкой обработке металла гребень из кургана Солоха и ваза из кургана Куль-Оба с изображением сцен из жизни скифов, исполненные из золота в V в. до н. э.

Более 20 обширных залов занимают в Эрмитаже памятники классического искусства античного мира. Ко времени расцвета греческого искусства (V в. до н. э.) относится, например, торжественная статуя Афины, которая была для греков не только изображением божества, но и олицетворением могущества их родины. Разнообразны памятники греческого искусства IV в. до н. э.: тут и многочисленные скульптурные портреты, и драматическая группа «Геракл в борьбе со львом» по оригиналу Лисиппа, и фигура мечтательного «Отдыхающего сатира» - повторение скульптуры Праксителя.

В собрании древнеримского искусства гордость Эрмитажа составляют скульптурные портреты. В них проявилось высокое мастерство римских скульпторов I - III вв. В мраморном бюсте императора Филиппа Аравитянина (III в.) правдиво передан его грубоватый, волевой характер. Среди монументальных римских скульптур особенно запоминается величественная статуя Юпитера Громовержца (I в.). Такие статуи ставились в храмах. Художник изобразил Юпитера идеальным существом, могучим повелителем, внушающим чувство беспрекословного повиновения.

Многочисленны и разнообразны в музее памятники культуры и искусства народов зарубежного и советского Востока. Древнейшие из них находятся на выставках древнего Египта, Ассирии и Вавилонии.

Древнеегипетские папирусы, скульптура, керамические изделия, различные предметы быта и религиозного культа относятся к огромному промежутку времени - от IV тысячелетия до н. э. вплоть до IV в. н. э. Типичный образец древнеегипетской скульптуры - статуя фараона Аменемхета II из черного гранита (XIX в. до н. э.). Такая статуя с ее обобщенными застылыми формами должна была воплощать представление о силе и незыблемости власти фараона.

Лучшей в мире считается эрмитажная коллекция иранских изделий из серебра III- VII вв., называемых обычно сасанидскими - по имени династии, правившей тогда в Иране. На парадных блюдах, чашах, кувшинах изображены сцены, прославлявшие иранских царей. Таково, например, серебряное блюдо IV в. со сценой львиной охоты Шапура II, в которой художник восхваляет ловкость и мужество царя. Столь же знаменито и эрмитажное собрание византийского искусства V - XIV вв., в котором особенно славятся изделия из серебра, слоновой кости, а так же образцы древней византийской живописи.

С культурой и искусством древнего и средневекового Китая зритель знакомится на одной из самых обширных выставок Эрмитажа." Ее экспонаты указывают на раннее появление в Китае (задолго до Европы) письменности, денежного обращения, шелкоткачества, производства бумаги и фарфора, книгопечатания.

Раскопки, ведущиеся археологами в Закавказье и в Средней Азии, ежегодно пополняют замечательными памятниками Отдел Востока, обладающий обширными и разнообразными коллекциями.

Но большую часть Эрмитажа занимает Отдел истории западноевропейского искусства, разместившийся в 120 залах. В них находятся картины, скульптуры, рисунки, предметы прикладного искусства, характеризующие почти тысячелетний путь развития художественной культуры Европы с XI по начало XX столетия.

Эрмитаж владеет многими бесценными полотнами великих художников прошлого - лучшими достижениями мировой живописи.

Осматривая залы итальянского Возрождения, зрители видят, как постепенно на протяжении XIV-XVI вв. искусство освободилось от старой средневековой условности и обратилось к правдивому изображению человека и природы.

Эрмитаж гордится работами величайших гениев итальянского Возрождения: «Мадонной Бе-нуа» и «Мадонной Литта» Леонардо да Винчи; картинами Рафаэля «Мадонна Конестабиле» и «Святое семейство»; скульптурой Микеланджело «Скорчившийся мальчик» и полотнами Тициана. С еще большей полнотой, чем Возрождение, показано в музее развитие итальянской живописи XVII-XVIII вв.

В разделе испанского искусства XVI - XVII вв. мы видим картины основных мастеров «золотого века» испанской живописи: Веласкеса, Сурбарана, Риберы, Мурильо.

В Эрмитаже находится также одна из лучших коллекций фламандской живописи XVII в. Большой зал заполнен картинами крупнейшего из художников Фландрии Рубенса, жизнерадостными, широко и ярко раскрывающими мир человеческих чувств и страстей.

Собрание голландской живописи XVII - XVIII вв. отличается разнообразием жанров: портрет, пейзаж, натюрморт, бытовая живопись. Но особую ценность составляют в Эрмитаже 25 картин кисти великого Рембрандта - непревзойденного мастера, который сумел средствами живописи раскрыть глубину и сложность душевных переживаний человека.

Свыше 40 залов Зимнего дворца занято экспозицией французского искусства XV - XX вв. Это крупнейшее за пределами Франции собрание французского искусства. Здесь находятся не только произведения почти всех основных мастеров французской живописи, графики и скульптуры, но и превосходная по составу коллекция прикладного искусства: эмаль, фарфор, серебро, шпалеры, кружева, мебель художественной работы.

Картины Пуссена, Ватто, Буше, Грёза, Шардена находились в Эрмитаже с XVIII в., но только в советское время был создан раздел французского искусства XIX-XX вв. и в стенах музея появились картины Делакруа, Коро, Милле, Моне, Ван-Гога, Гогена, Сезанна, Матисса, Пикассо и других.

Самым молодым по времени создания (1941) является в Эрмитаже Отдел истории русской культуры. Коллекции этого отдела имеют памятники с VII по конец XIX в. В число залов Отдела истории русской культуры включена и Военная галерея Зимнего дворца с портретами русских генералов - участников Отечественной войны 1812 г., и бывший Тронный зал Зимнего дворца, в котором находится карта Советского Союза, выполненная в 1937 г. из 45 тыс. кусочков цветных камней.

О работе и искусстве русских мастеров говорит также все внутреннее убранство Эрмитажа. Прекрасные вазы и столы из малахита, яшмы, орлеца, лазурита и художественная мебель были созданы в XVIII и XIX вв. несколькими поколениями русских умельцев для украшения эрмитажных залов.

Примерно четверть всех экспонатов Эрмитажа составляют хранящиеся в Отделе нумизматики денежные знаки, монеты, медали, ордена всех стран мира. Тут перед нами проходит денежное обращение с момента его зарождения и до наших дней.

Но Эрмитаж не только хранилище художественных и культурных памятников, это одновременно научно-просветительное и научно-исследовательское учреждение. Научный коллектив Эрмитажа исследует и популяризирует богатейшие собрания музея, величайшие достижения человеческой культуры.

Третьяковская галерея

"Третьяковская галерея находится в Москве. Из тихого переулка, где она расположена, хорошо виден за рекой Москвой Кремль и прямая, высокая колокольня Ивана Великого, а правее пестрые купола храма Василия Блаженного.

В Третьяковской галерее собраны многие сотни картин, рисунков, скульптур, отражающих путь русского искусства от эпохи Киевской Руси до наших дней.

Представители правящих классов царской России пренебрежительно относились к русскому искусству и приобретали для своих дворцов в основном произведения западноевропейских мастеров.

Передовые люди русского общества, верившие в Россию и ее народ, гордились национальной культурой и предсказывали ее дальнейший расцвет. Для того чтобы познакомить с выдающимися созданиями русского искусства широкие слои общества, необходимо было собрать воедино все рассеянные по частным коллекциям полотна русских мастеров. За выполнение этой благородной патриотической задачи взялся Павел Михайлович Третьяков. Он был московским купцом, но широкая образованность, добытая упорным самостоятельным трудом, и демократический образ мыслей снискали ему уважение и дружбу таких выдающихся людей России, как И. С. Тургенев, Л. Н. Толстой, Ф. М. Достоевский, И. Е. Репин, В. И. Суриков, И. Н. Крамской.

Располагая значительными средствами, Третьяков решил употребить их на создание национальной галереи.

В 1856 г. он приобрел картину художника Шильдера «Искушение», положив этим основание своему музею.

Когда Третьяков начинал свою собирательскую деятельность, еще не были известны имена Репина, Сурикова, В. Васнецова, Крамского, без которых сейчас немыслимо представить Третьяковскую галерею. Но Третьяков свято верил в грядущий расцвет русской школы живописи, связывая его с направлением демократического реализма, и приобретал для своей галереи в первую очередь произведения художников-передвижников.

Перед Третьяковым возникали подчас серьезные трудности. Приобретение запрещенной царской цензурой картины В. Г. Перова«Сельский крестный ход на пасхе» грозило Третьякову чуть ли не ссылкой в Соловецкий монастырь. Ему было запрещено показывать публике картину «Иван Грозный и сын его Иван».

Передвижники предоставили Третьякову право первому выбирать картины с их выставок - покупка картины для галереи Третьякова расценивалась художниками как высокая честь. Именно произведениям передвижников, проникнутым верой в народ, страстным желанием счастливой для него доли и не менее страстной критикой всего, «что тяготит и давит свет», в значительной мере обязана Третьяковская галерея той поистине всенародной любовью, которой она пользуется в наше время.

Стремясь показать в своей галерее русское искусство в его историческом развитии, Третьяков собирал картины и более ранних периодов (произведения древнерусского искусства, этюды А. А. Иванова, портреты К. П. Брюллова).

Третьякову принадлежит и еще одна большая заслуга перед русской культурой - создание галереи портретов ее выдающихся деятелей. Лучшие русские художники - Н. В. Неврев, Н. Н. Ге, В. Г. Перов, И. Н. Крамской, И. Е. Репин - по заказу Третьякова создали первоклассные портреты «людей, дорогих нации» (по выражению Репина). Среди них портреты Л. Н. Толстого, И. С. Тургенева, М. Е. Салтыкова-Щедрина, И. А. Гончарова, М. И. Глинки.

В 1892 г. П. М. Третьяков передал в дар Москве свою галерею вместе с собранием своего брата С. М. Третьякова.

Многие из картин, находящихся в Третьяковской галерее, известны нам с детства. Мы встречаем их воспроизведения в школьных учебниках, альбомах, на открытках. Имена творцов этих картин: Репина, Сурикова, Шишкина, Левитана и других - нам так же хорошо известны, как имена великих русских писателей - Пушкина, Гоголя, Тургенева, Л. Толстого.

Русское искусство, как и русская литература, формирует наше сознание, развивает патриотические чувства, учит видеть и любить прекрасное в окружающем мире и ненавидеть все, что уродует и портит жизнь.

Большевик В. Д. Бонч-Бруевич рассказывал о том, какие мысли и чувства будили выдающиеся полотна русских живописцев у революционной молодежи: «Еще нигде не описаны те переживания революционеров, те клятвы, которые давали мы там, в Третьяковской галерее, при созерцании таких картин, как «Иван Грозный и сын его Иван», как «Утро стрелецкой казни», как «Княжна Тараканова», как та картина, на которой гордый и убежденный народоволец отказывается перед смертной казнью принять благословение священника. Мы созерцали и «Неравный брак», воспринимая его как вековое угнетение женщины, подробно останавливались на «Крахе банка» и на «Крестном ходе...», часами рассматривали военные жестокие и ужасные эпопеи Верещагина и долго, долго смотрели на судьбу политических - нашу судьбу - «На этапе» и близко понимали «Бурлаков на Волге» и тысячи полотен и рисунков из жизни рабочих, крестьян, солдат, буржуазии и духовенства...» В этих словах раскрывается большая воспитательная роль Третьяковской галереи еще в предреволюционный период.

Галерея непрерывно пополняется не только старыми, но и новыми произведениями живописи, скульптуры и графики. Искусство в нашей стране создают все народы Советского Союза, и, отражая этот новый этап, галерея перестает быть музеем только дореволюционного русского искусства и превращается в сокровищницу советского многонационального искусства. В картинах, висящих на стенах советского отдела галереи, как в многочисленных зеркалах, отразилась жизнь пятнадцати союзных республик.

Приобщение к искусству широчайших трудящихся масс - основная цель той большой и многообразной работы, которая проводится в галерее. Для трудящихся, школьников и студентов организуются лекции, экскурсии, занятия, кружки по истории русского искусства, постоянно подготавливаются новые выставки, посвященные творчеству русских художников.

Галерея - центр научно-исследовательской деятельности. Здесь создаются книги и статьи, проводятся научные совещания и конференции. В галерее изучаются и хранятся документы, относящиеся к истории русского искусства.

Значение Третьяковской галереи в развитии русского изобразительного искусства было высоко оценено Советским правительством и народом нашей страны - накануне своего столетнего юбилея Государственная Третьяковская галерея была награждена орденом Трудового Красного Знамени.

По мотивам книги «Детская энциклопедия»